Desafíos: arte actual

Otra sorpresa del MOMA.

Veo una enorme forma inflada blanca de plástico situada en forma muy destacada en el MoMA, el muy famoso museo de arte de Nueva York, que acabo de visitar. Me acerco asombrada. En ese museo relicario de las mejores obras del siglo XX, de pronto está esta carpita. Me pregunto si será alguna de estas sorpresas anti -arte que nos depara el arte de hoy. No. No lo es.

Es una obra de arte útil, donde se aúna diseño, arte, interés social, factibilidad de construcción y deseo de colaborar para mejorar la vida de quienes tienen que pasar por situaciones muy duras como la carencia de un hábitat temporario ya sea por desastres naturales, porque la sociedad no responde a sus necesidades con la celeridad que debería, porque viven en el Tercer Mundo o porque son marginales y se han auto excluido del mundo normal por problemas personales diversos.

La construcción destinada a los sin techo está en el MoMA, pero no necesitamos ir a Nueva York para ver indigentes durmiendo en las calles. Los vemos aquí en la muy fiel y reconquistadora, debajo de los puentes, en los zaguanes, en las escaleras de los grandes edificios públicos, no solo en lugares marginales sino en barrios residenciales, en el Centro, en la Ciudad Vieja, y hoy ya en cualquier lugar, tirados, tapados por trapos, diarios y en situaciones higiénicas lamentables mientras pasan los años y poca cosa se hace para mejorar su situación.

El MoMA que adquirió esta obra tan sui generis, quiere demostrar que el arte no se divorcia de la preocupaciones prácticas para los indigentes y le da un lugar preponderante a la creación de Michael Rakowitz, (n. 1973) el artista plástico, quien diseñó y construyó este refugio. El creador hasta ahora era conocido por ser un artista conceptual, estuvo y está presente en numerosas bienales, pero con el tiempo pensó cada vez más en la utilidad de sus creaciones. El es el inventor de ese refugio temporario, que al menos mantiene a la gente abrigada, lejos de las inclemencias del clima, en condiciones higiénicas, sin tener que abrigarse con detritus. Y no se piensen que es un lujo del Primer Mundo: cuesta solo 5 dólares (100 pesos uruguayos). Como obra de arte se sitúa dentro de lo que se puede calificar como intervención de espacios públicos, está vez determinada por propósitos utilitarios y humanísticos.

Su propuesta está inspirada en las viviendas de los nómades, en especial de los beduinos de Karak en Jordania, cerca del Mar Muerto, a quienes conoció personalmente y con quienes convivió en Jordán. La intención de ayudar proviene no solo de los homeless que vio en Nueva York y otras ciudades, sino de su preocupación por el sufrimiento de las poblaciones civiles de Irak. Su familia materna es iraquí – judía.

Pensó, también, en el frío del este de los Estados Unidos y sus famosos homeless y en una solución barata y apropiada. Entonces creó una especie de carpa muy bien diseñada que se calienta con la ventilación que sale de los ductos de calefacción de casas y edificios que dan a las calles. Con lo cual se aprovecha lo existente y no se gasta en energía.

El refugio es portátil, agradable de ver, higiénico, y tiene un tubo que se conecta fácilmente a los ductos. Posee cierres metálicos, yuna ventana para evitar la claustrofobia y darle mayor claridad Está realizado en polietileno, y mide 107 x 91.5 x 335 cm.).

El ingenio del creador está basado en sólidos estudios en MIT, el famoso instituto tecnológico de Massachussets y en su Master de Estudios Visuales en la misma universidad.

Sin verticalismos elitistas lo puso a consideración de los propios indigentes y charló con ellos visitándolos en los centros donde les sirven comida y refugio ocasional.

Los refugios ya han sido utilizados. Rakowitz considera que ésta no es la solución para la vivienda, sino algo temporario por lo menos para aliviar necesidades urgentes; luego los gobiernos, los ministerios, deberán hacer algo en cada país para solucionar el tema de la gente sin vivienda. La suya es una estrategia simbólica para sobrevivir y en otros casos para soluciones de emergencia. Tal vez se podría inventar algo con similares propósitos en el Uruguay. ¿Será posible?

Un mojón del diseño: la laptop XO

Allí está, la famosa computadora portátil, el emblema del Proyecto Ceibal, tan vernáculamente llamado, por lo del símbolo de esa flor nativa y que en la sigla significa "Conectividad Educativa de Informática Básica para el Aprendizaje en Línea". Allí está la "XO" que se entregó primero en la escuela primaria de Villa Cardal aquí en el Uruguay, y que ha hecho célebre al país por ser uno de los primeros en adoptar el programa "una computadora por niño" o por gurí para hablar en buen criollo. Pero no se imaginan dónde está. En pleno MoMA, Museo de Arte Moderno de Nueva York, uno de los más famosos del mundo, el templo de las artes, el santuario de las artes modernas. ¿Qué me cuentan? Me latió el corazoncito uruguayo con orgullo. Y me quedé mirándola.

La famosa computadora, la de los 100 dólares, crease o no, está allí en una gran exhibición de diseño. Es conocida por su proyección social -educativa, por ser un instrumento de conocimiento invalorable para situar a los niños en el mundo actual y prepáralos para el futuro, sobre todo en los países menos, para equiparar tecnológicamente a todos los niños, llegar a las zonas más remotas por su accesible precio y por los numerosos adelantos de su software y hardware e ir logrando equidad, igualdad de oportunidades y democratización del conocimiento. Pero poco se habla de su belleza.

La laptop XO, que es la que usa el Plan Ceibal, es uno de los diseños más notables de los últimos tiempos, por ello ocupa un lugar privilegiado en el MoMA en la celebrada y notable muestra "Design and the Elastic Mind," Diseño y la Mente Elástica, que reúne 200 projectos del presente para ser usados ahora o imaginados para el futuro. También es tan destacada que fue seleccionada para ser exhibida en "Diseño para los Otros 90%" en el Cooper-Hewitt Museum de la Gran Manzana. O sea que a nivel artístico también es una joya.

La muestra tiene muchos sectores y la XO está en Todos Ahora que explora las relaciones entre los individuos y lo colectivo. Precisamente porque fue diseñada para el mundo, para tener un gran impacto social, y maximizar la existencia de los seres humanos , porque fue hecha por muchos expertos, pensada para un ideal creado en MIT y dirigido por Negroponte,

La portátil XO involucró expertos universitarios y de la industria, aúna tecnología, objetivo didáctico, y belleza a la vez que toma en consideración durabilidad y la hace resistente a las altas temperaturas y la humedad. Es una computadora portátil muy sólida, funcional, que ahorra energía, versátil y divertida y pensada para niños y adolescentes a la vez que muy atractiva y hermosa.

Esta exhibición del MoMA pone al ser humano en el centro del mundo porque la finalidad es rescatar los diseños más útiles para preservar la esencia humana. Se destaca lo que sea a la vez  bello y proponga una ética y una estética al trabajar con las nuevas tecnologías. Estos diseñadores de hoy elegidos por el MoMA crean estructuras que utilizan menos materia y energía, que son más eficientes, y tienen conciencia ecológica usando sistemas diversos, entre ellos biológicos como se ven en numerosos proyectos. Uno de ellos llamado Abejas de la diseñadora portuguesa Susana Soares es un prototipo que puede usa la medicina para detectar enfermedades a través de las abejas. Los pacientes soplan en un tubo que va a una burbuja y las abejas al oler algo extraño en el aliento huyen hacia otra cámara. Funciona para la medicina pero aún no ha sido adoptado. Y como objeto es muy hermoso. La sensibilidad humana, el ahorro, el buen gusto, la capacidad de pensar en el empleo de insectos para la medicina, hace de este objeto uno de los más interesantes de una muestra que da que hablar.

Acabo de llegar de Nueva York donde visité la famosa Bienal Whitney, en el reputado museo del mismo nombre. Es uno de esos acontecimientos claves en los que se puede apreciar el arte actual. En este caso es solo de los residentes en los Estados Unidos.

Al entrar ya viene el gran sacudón. El caos impera en lo que para el visitante ingenuo o no informado parece ser un homenaje al desorden. Objetos heterogéneos expuestos sin ninguna armonía, con explosión barroca de elementos cotidianos banales que se desparraman por el espacio, flotan, y parecen a primera vista un conjunto de detritus, integran la obra de Jason Rhoades que dan la bienvenida al visitante. La propuesta difícil de decodificar, es una orgía de objetos, que se impone al espectador, por su mezcla abrumadora implantada sobre un espacio enorme, en la que además hay carteles de neón. Sexualidad, consumismo, trasgresión artística son algunos de los tópicos de esta junglas de objetos enmarañados como plantas en una selva.

Rohades trabajaba a partir del caos y lograba generar un orden especial, aunque no siempre perceptible. Hay cualidades escultóricas en esta ambientación gigantesca, excesiva por el lado que se la mire, desagradable en muchos sentidos, empero inevitable de observar, por su vitalidad y su fuerza. Rhoades no rechazó en su corta carrera (murió de un ataque al corazón a los 41 años), ningún material, desde los que encontraba en un garaje, a motores de autos, líneas de montaje, elementos sacados de un depósito, luces de neón, así como juguetes Lego, para elaborar sus disonantes propuestas muy viscerales, fantasiosas, oníricas, y sexuales.

En el resto de los cuatro pisos del Whitney los desafíos continúan y los que no están informados pueden salir muy confundidos. En ese caso se recomiendan las visitas guiadas que son excelentes.

Las pinturas brillan por su ausencia, El visitante puede llegar a creer que la pintura se murió, lo que no es verdad, porque está vivita y coleando. Y también puede sacar la conclusión que la basura es esencial en la vida americana, cuando en realidad no lo es. Porque hay mucho detritus en diversas instalaciones como las de Jedediah Caesar, Charles Long. Cheyney Ry Rocklen.

De todas maneras hay instalaciones agradables de ver con mensajes más evidentes. Phoebe Washburn utiliza también materiales ordinarios, y los transforma en estructuras expansivas reciclando pero lo hace para trasmitir un evidente mensaje ecológico. De todas maneras a través de las instalaciones hay muchos mensajes del triunfo de lo efímero, de una sociedad en crisis, de las angustias actuales, de la inestabilidad e inseguridad.

Guste o no es importante estar abierto a esas manifestaciones actuales, que desde los años 90 reinan en las exposiciones, reúnen elementos dispares que se aúnan en un todo y se desenvuelven en el espacio creando una situación ambiental que hoy se conoce como "site specific installation" (instalación para un sitio específico). En ese sistema con figurativo espacial apuestan a involucrar física y espiritualmente a los destinatarios insertándolos como testigos en una realidad que los engloba y que compromete sus capacidades emotivas y sensoriales.

 

Las instalaciones y las ambientaciones tienen su explicación y a veces las explicaciones tranquilizan. No son solo producto de la fascinación con lo nuevo ni surgen debido al snobismo iconoclasta, como facilmente lo tildan los filisteos y ultraconservadores. Ofrecen al que las realiza y al que las experimenta algo más que arte (o tal vez la ilusión que se hace y se recibe algo más que arte). Están creadas por y para aquellos que necesitan por lo menos aspirar a sentimientos de tránsito, al sacudimiento emocional o intelectual, al "gesamntkunswerk" (la obra total) y que buscan un espacio que lo lleve a experimentar experiencias globales. Entra en juego un deseo insatisfecho (en espectadores y en creadores) de acercarse a la inabarcable totalidad, de viajar, de desplazarse, de penetrar en lo desconocido. Uno de los mayores atractivos es que las instalaciones y ambientaciones invitan al espectador a realizar una función activa.

Otras razones explican el éxito actual de estas expresiones visuales. En pleno auge del mercantilismo, en una época de delirio consumista del arte y de cotizaciones delirantes, hay personas que quieren rechazar "ese oscuro deseo del objeto" y disfrutar precisamente de lo que no se puede poseer. Es todo un alivio saber que todo termina cuando se desarma la exposición y que no quedan objetos para especular, comprar o vender.